Mit der Uraufführung von »Allee der Kosmonauten« wurden im Jahr 1996 die Sophiensaele eröffnet. Seither gilt das choreographische Konzept als legendär: Mittelpunkt des Geschehens ist die Wohnzimmercouch einer Plattenbauwohnung in Berlin-Marzahn. Gefühle und Bewegungsimpulse einer Dreigenerationenfamilie stauen sich hier in prekärer Nähe, können nur entweder in Lethargie begraben oder dem Rückkopplungseffekt ihrer beengten Wohnsituation ausgesetzt werden. Die choreografische Auseinandersetzung mit diesem nervösen Aufeinanderhocken und Aneinandergeraten entspinnt Lösungen an den Grenzen des Tanzbaren und entwickelt aus dem Fehlen von Zärtlichkeit eine unbehagliche Komik. Allee der Kosmonauten gehört zu einer Reihe früher Projekte von Sasha Waltz, die Bewegungswelten des Alltags als tänzerischen Interpretationsraum ergründen. Entstanden an der Schwelle zu einem neuen Zeitalter, erzählt das Stück von der Ära eines Zusammenlebens ohne Hintertüre.

In »Continu« führt Sasha Waltz wesentliche Elemente ihrer Arbeit der vergangenen zehn Jahre zusammen. Das Stück erzeugt ein Spannungsfeld choreographischer, musikalischer und bildnerischer Energieströme. Der Titel steht auch für die Kontinuitität der nicht enden wollenden Kräfte der Natur. Sasha Waltz greift in »Continu« wichtige Impulse aus ihren beiden großen Museumsprojekten von 2009 auf: die künstlerische Inauguration des Neuen Museums von David Chipperfield in Berlin und des MAXXI von Zaha Hadid in Rom. Gemeinsam mit 24 Tänzern entwirft sie eine großformatige und archaische Choreographie. Das epochale sinfonische Orchesterwerk »Arcana« von Edgar Varèse bildet das musikalische Zentrum von »Continu« umgeben von weiteren Kompositionen des Künstlers, sowie von Iannis Xenakis und Claude Vivier. Vor 90 Jahren hatte Varèse – visionär wie kein anderer Komponist seiner Zeit – die Zusammenführung von künstlerischen und wissenschaftlichen Inhalten gefordert. Im Zusammenhang mit »Arcana« kann man von Transformation sprechen, von Veränderung, von Aufbruch. Aber es geht weniger um Alchemie als um heftige Vulkanausbrüche in der Nacht. Es handelt sich um die prometheische Versuchung, den Kosmos in den Klängen und durch die Klänge zu besitzen.

»Ein Stern ist höher als alle anderen. Es ist der Stern der Apolakypse; der zweite Stern ist der des Aszendenten, der dritte ist der der Elemente, und deren sind ihrer vier, sodass sechs Sterne feststehen. Neben diesem gibt es noch einen weiteren Stern, die Phantasie, die einen neuen Stern erschafft.«
Edgar Varèse

Gemeinsam mit 12 Tänzern ihres Ensembles sowie 51 Musikern, Choristen und Solisten erarbeitete Sasha Waltz die Oper »Dido & Aeneas« von Henry Purcell. Die vielschichtige Gefühlswelt dieser einzigen durchkomponierten Oper Purcells bildete den inhaltlichen Ausgangspunkt der choreographischen Arbeit. Sasha Waltz konzentriert sich dabei auf die beiden Hauptfiguren der Handlung, die karthagische Königin Dido und den aus Troja geflohenen Aeneas und deren tragische Liebesgeschichte, die mit dem Tod der Dido endet.

Mit den Fragen: »Wovor möchtest du fliehen? Was ist für dich Utopia?« nahmen Sasha Waltz und die Tänzer*innen den Einstieg in dieses Projekt. Ausgehend von persönlichen Fluchtimpulsen und Sehnsüchten wurde ein Bewegungsprozess entrollt, in dem die Einzelnen zu einer Schicksalsgemeinschaft zusammenfließen. Vor dem Hintergrund gegenwärtiger Krisen und einer Zeit globalen Umbruchs beschreibt ihr kollektiver Körper die Suche nach einem Ausweg. Der Tanz, in dem eine alle Kulturen zusammendenkende Gemeinschaft gelebt werden kann und gemeinsame Formfindung ohne jedes Regelwerk möglich ist, dient in diesem Prozess der Ergründung gesellschaftlicher Fragen. Die Choreographie entfaltet sich als eine Beziehung der Masse zu sich selbst und zugleich als eine ständige Befragung ihres eigenen formalen Rahmens. Durch die Aufhebung der Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum ist das Publikum eingeladen, sich frei durch den Raum zu bewegen und den Blick auf das Geschehen zu wandeln.

Das Projekt schreibt sein Vorläuferstück »Kreatur« (2017) fort, welches sich mit unmittelbaren Bedingungen körperlichen Daseins beschäftigte – mit Kräfteverhältnissen zwischen Wesen, deren Koexistenz räumlich festgeschrieben ist. »EΞΟΔΟΣ I Exodos« untersucht das Drängen in Räume, Zustände und Perspektiven, die über diese unmittelbaren Daseinsbedingungen hinausweisen. »Ausweg« ist eine der Bedeutungen des neugriechischen Wortes EΞΟΔΟΣ. Zugleich bedeutet das Wort die Flucht, aber auch das Ausgehen ins Nachtleben sowie das Verlassen einer Bühne und damit den Übergangsmoment zwischen Spiel und echtem Leben. Sasha Waltz’ choreographische Arbeit spürt den Überschneidungen und Verbindungen zwischen diesen unterschiedlichen grenzüberwindenden Motiven nach: an körperlichen Grenzen, an der Schwelle zur Angst, zur Ekstase, zur Anarchie, zu utopischen Welten.

Die Choreographie von »EΞΟΔΟΣ I Exodos« bewegt sich erneut im Dialog mit Urs Schönebaums raumbildenden Beleuchtungsstrategien. Kostümdesigner ist Federico Polucci. Das Set-Design erarbeitete Sasha Waltz in Zusammenarbeit mit der Architektin und Bühnenbildnerin Heike Schuppelius. Die Klangkompositionen entwickelten Soundwalk Collective wie schon für »Kreatur« in engem Wechselbezug mit der choreographischen Arbeit. »EΞΟΔΟΣ I Exodos« entstand in Koproduktion mit der Ruhrtriennale und zugleich im Jahr des 25-jährigen Jubiläums der Compagnie Sasha Waltz & Guests.

»EΞΟΔΟΣ I Exodos« ist eine Produktion von Sasha Waltz & Guests in Koproduktion mit der Ruhrtriennale. Made in Radialsystem.

Vom 1. bis 4 Januar 2017 gestaltet Sasha Waltz & Guests mit der choreographischen Installation »Figure Humaine« mit rund 80 Musikern, Sängern und Tänzern der Compagnie die künstlerische Inauguration der Elbphilharmonie-Foyers in Hamburg.

Derzeit sind aus produktionstechnischen Gründen keine Karten mehr erhältlich.
Weitere Tickets gehen am 27. Dezember, 11 Uhr, in den Vorverkauf.
Tel: +49 40 357 666 66
http://bit.ly/swgelbphilharmonie

»Die Vision, die ich habe, ist, einen Gruppenkörper von Musikern und Tänzern zu kreieren. Wir werden mit der Idee von Zwischenräumen experimentieren, dem ‚Zwischen’ der Musik, dem ‚Zwischen’ der Töne.«
(Sasha Waltz)

»Es geht um existenzielle Zustände, vielleicht auch metaphysische Zustände, die Faltung als Impulsantwort.«
(Mark Andre)

Das choreographische Konzert »gefaltet« von Sasha Waltz und Mark Andre eröffnete im Januar 2012 die Mozartwoche in Salzburg. Es ist die erste Zusammenarbeit des französischen Komponisten und der deutschen Choreographin.
Mit acht Tänzern und vier Solisten erforschen Sasha Waltz und Mark Andre gemeinsam die Wechselwirkungen von klassischer und Neuer Musik, von Klang, Bewegung und Stille.
Das musikalische Experimentierfeld bilden ausgewählte Werke von Wolfgang Amadeus Mozart, wie das Streichtrio in Es-Dur KV 563, und Kompositionen von Mark Andre, wie das Klaviersolo »iv 11a« und die Streichtrios »iv 2« und »iv 8«.
Eine »Faltung« bezeichnet in der elektronischen Musik ein Verfahren, das über akustische Impulse akustische Antworten erzeugt. Sasha Waltz und Mark Andre erweitern dieses Prinzip für »gefaltet« zu einem Dialog zwischen Tänzern und Musikern. Die Impulse und Resonanzen ihrer Körper im Raum entfalten und verdichten Zwischenräume und Schwellen, Leere und Distanz.

Die international renommierten Musiker Carolin Widmann (Violine), Guy Ben-Ziony (Viola), Nicolas Altstaedt (Violoncello) und Alexander Lonquich (Klavier) wirken als Solisten für »gefaltet« mit. Es tanzen Edivaldo Ernesto, Todd McQuade, Virgis Puodziunas, Sasa Queliz, Zaratiana Randrianantenaina und Yael Schnell sowie erstmals in einer Choreographie von Sasha Waltz Saju Hari und Judith Sánchez Ruíz.

Ein Raum, dem die Spuren und Verwerfungen der Vergangenheit eingeschrieben sind, ist letzter Zufluchtsort, wird zum Schutzraum einer Gruppe von Menschen. Eine Katastrophe zerstört das Außen, bedroht die Eingeschlossenen, dringt immer tiefer in diese Schicksalsgemeinschaft ein. In ihrem aktuellen Stück »Gezeiten« beschäftigt sich Sasha Waltz gemeinsam mit ihrem neuen Ensemble von 16 Tänzerinnen und Tänzern mit den Transformationen, denen das Leben permanent unterworfen ist. »Gezeiten« kreist um die Wechselwirkung von Zerstörung und Neugestaltung und sucht nach einem Ausdruck, indem es deren physische und metaphysische Ebenen auslotet. Sasha Waltz nimmt verschiedene ästhetische und inhaltliche Blickwinkel ein und verbindet so die Gegenständlichkeit und surreale Theatralik ihrer frühen Stücke, in denen Objekte des Alltags zu lebendigen Partnern der Tänzer mutierten, mit der Abstraktion und tänzerischen Dynamik ihrer jüngeren Arbeiten. Besonderes Interesse richtet sie dabei auf Krisensituationen, die den natürlichen Rhythmus stören. Die Bedrohung von außen konfrontiert die eingeschlossene Gruppe mit existentiellen Fragen und Ängsten, angesichts derer sich die Bedeutung von Besitz und Macht, die Anteilnahme am Leid der Anderen verliert und zugleich verschärft. Neue Strukturen und Ordnungen werden etabliert. Was bleibt nach Zusammenbruch und Zerstörung? Wie gestalten wir unsere Welt immer wieder neu? Was ist wert, gerettet zu werden?

»Impromptus« als eine intime und tänzerische, in erster Linie auf die Bewegung in den Körpern und im Raum angelegte Choreographie. In der Auseinandersetzung mit der Musik von Franz Schubert entwarf Sasha Waltz eine weitgehend abstrakte und dennoch emotional aufgeladene Atmosphäre. Sasha Waltz arbeitete in den letzten Jahren fast ausschließlich mit zeitgenössischer, für ihre Choreographien original komponierter Musik. Die Komposition wurde dabei immer parallel zur Choreographie entwickelt. Der Umgang mit bereits existierender Musik veränderte den Arbeitsprozess nachhaltig. So entschied sich Sasha Waltz von vorneherein für eine formal definierte choreographische Gestaltung. Sie unternahm nicht den Versuch, Schuberts Musik, die reich an eigenen Bildern ist, zu illustrieren, sondern suchte größtmögliche Einfachheit in der Umsetzung. Die einzelnen Musikstücke korrespondierten mit voneinander unabhängigen Tanzszenen. Drei Duette bildeten dabei das Zentrum des Abends und wurden von dynamischen raumgreifenden Gruppenszenen kontrastiert. Die von der Musik angestoßene Emotion, die bei Schubert sublimierte, unerfüllte Sehnsucht nach Glück und Harmonie, kam in den Duetten am ausgeprägtesten zum Ausdruck, wenngleich das Thema die gesamte Choreographie durchzog. Auch das in Schuberts Werk vielfach auftauchende Motiv des Wanderns griff Sasha Waltz auf. Der zu Heimatlosigkeit und Einsamkeit verdammte Wanderer ist, als Sinnbild des schöpferischen Menschen, der sich nicht von dieser Welt fühlt, Schuberts alter ego. Fortlaufende Rhythmen, die das Gehen und Wandern kompositorisch ausdrücken, durchziehen Schuberts Instrumentalwerk ebenso wie sein Liedschaffen. Die Choreographie nahm diesen Faden auf und sponn ihn in einer subtilen Rhythmik, die durch die Tänzer hindurchlief, weiter. Franz Schubert komponierte die »Impromptus« (D.899/D.935), die zu seinen erfolgreichsten Klavierkompositionen gehören, 1827, ein Jahr vor seinem Tod in einer von Krankheit geprägten und dennoch äußerst schaffensreichen Phase.

Die Tanzcompagnie Sasha Waltz & Guests begann im Jahr 2021 einen neuartigen künstlerischen Prozess, aus dem kontinuierlich sowohl digitale wie live-Formate hervorgehen. Musikalische Grundlage ist Terry Rileys »In C« (1964), eine in seiner Zeit revolutionäre, offene Komposition, die gemeinhin als erstes Werk der Minimal Music gilt. Basierend auf diesem Meilenstein der Musikgeschichte entwickelte Sasha Waltz gemeinsam mit ihren Tänzer*innen choreographisches Material, das einer ähnlich variablen Struktur folgt und bewusst nicht als fertiges Bühnenstück angelegt ist. »In C« wurde im März 2021 digital im Livestream aus dem radialsystem in Berlin zu den Klängen einer Aufzeichnung des New Yorker Musiker-Kollektivs »Bang on a Can« uraufgeführt und war seitdem auch (inter-)national live zu erleben.

»In C« ist ein experimenteller, sich konstant entwickelnder Prozess, der den langjährig ausgearbeiteten Arbeitsansatz von Sasha Waltz & Guests und den Dialog von Tanz, Musik und Raum digital wie analog noch einmal weiterdenkt. Zugleich werden Möglichkeiten der flexiblen künstlerischen Produktion in Zeiten der Pandemie und des künstlerischen Austauschs auch über Landesgrenzen hinweg ausgelotet. So sind die einzelnen Bewegungs-Figuren beispielsweise in Video-Tutorials festgehalten, die das Erlernen des choreographischen Materials durch Tänzer*innen, die nicht vor Ort sind, auch digital ermöglichen.

»Die Partitur von »In C« besteht aus 53 musikalischen Figuren und liest sich wie eine Regieanweisung für Musiker*innen. Es hat mich gereizt, diese detaillierten Instruktionen in einer choreographischen Auseinandersetzung mit der Musik in Tanz zu übertragen. Entstanden ist ein Spielsystem aus 53 Bewegungsfiguren für eine strukturierte Improvisation mit klaren Regeln und Gesetzen. Variabel bleiben die Länge des Stücks sowie die Besetzungsstärke von Musiker*innen und Tänzer*innen. Zugleich ist »In C« auch eine demokratische Partitur, denn sie gibt den individuellen Tänzer*innen gewisse Freiheiten im Ensemble: Es ist ein Stück darüber, als Individuum Teil einer Gruppe zu sein, nicht ein Individuum in der Gruppe. »In C« ist ein dynamisches, modulares System, dass in Zeiten der Pandemie adaptionsfähig bleibt. Es ist eine spannende Herausforderung, daraus zukünftig viele unterschiedliche Variationen und Formate entwickeln zu können, sowohl für Professionelle Tänzer*innen wie langfristig auch für Kinder und Laien.«
Sasha Waltz

Sasha Waltz realisiert mit »insideout« einen lang gehegten Traum. Bereits seit zehn Jahren verfolgt sie die Idee eines Stücks, das sich die Zuschauer durch eine uneingeschränkte Bewegungsfreiheit im offenen Bühnenraum, wie in einer Ausstellung, auf ganz persönliche Art und Weise selbst erschließen können. Darüber hinaus will sie nach großen Gruppen-Choreographien wie »Körper« und »noBody« wieder den einzelnen Tänzer in den Mittelpunkt ihrer aktuellen Arbeit stellen. Auf Initiative der diesjährigen Kulturhauptstadt GRAZ 2003 entwickelt sie die interdisziplinäre Produktion »insideout« gemeinsam mit zwanzig Darstellern und zehn Musikern aus Asien, Europa, Nord- und Südamerika. Ausgehend von den persönlichen Lebensgeschichten der Tänzer und Schauspieler, setzt sich das Stück thematisch mit gesellschaftlichen und individuellen Werten, Lebensstilen und Statussymbolen auseinander. Was benötigen wir zur Entwicklung unserer Identitäten? Welche Bedeutung haben heute noch Herkunft, Familie und Geschichte? Die Vielschichtigkeit der einzelnen Persönlichkeiten lässt ein facettenreiches Kaleidoskop entstehen. In einem produktionsbegleitenden Buch stellt der Kulturwissenschaftler und Mitinitiator Karl Stocker Interviews mit Mitgliedern des Tanzensembles soziologische Thesen von Baudrillard, Beck, Bourdieu u.a. gegenüber. In ihrem ersten musikalischen Werk für die Bühne verdichtet die Komponistin Rebecca Saunders einzelne Soli, Duette und Trios für zehn im Raum verteilte Musiker sowie mechanische Musikquellen zu einer vielschichtigen Gesamtkomposition, während der Videokünstler Philip Bußmann mit seinen Projektionen assoziative visuelle Wahrnehmungsebenen erschafft. Mit Bühnenbildner Thomas Schenk und Lichtdesigner Martin Hauk setzt Sasha Waltz ihre langjährige künstlerische Zusammenarbeit fort. Lebendige Skulpturen, animierte Objekte, eine intime Nähe zwischen Publikum und Darstellern sowie die Überlagerung von simultanen Aktionen, Bildern und Klängen kennzeichnen die Aufführung.

Wolfgang Rihm nennt seine Komposition ›Jagden und Formen‹ in seiner aktuellen Fassung »Zustand 2008«. Es ist ein Stück, das mäandernd als »Werklandschaft« (Wolfgang Rihm) in unterschiedlichen Stadien, Räumen und Konstellationen auftritt. ›Jagden und Formen (Zustand 2008)‹ ist auch der treffende Titel für die choreographische Arbeit von Sasha Waltz an diesem Werk, das sie gemeinsam mit ihrer Compagnie Sasha Waltz & Guests und dem Ensemble Modern entwickelt.

Sasha Waltz & Guests und Ensemble Modern

Zwei herausragende Solistenensembles aus Musik und Tanz treffen erstmalig in Frankfurt und Berlin aufeinander. Vieles haben diese beiden »Cluster« miteinander gemeinsam: Institutionelle Unabhängigkeit und eine kompromisslose Suche nach neuen Wegen des künstlerischen Ausdrucks jenseits der Konventionen. Das konkrete musikalisch-choreographische Projekt von Ensemble Modern und Sasha Waltz & Guests gliedert sich in mehrere Phasen. Nach einer ersten Begegnung zwischen Wolfgang Rihm und Sasha Waltz folgte eine Weiterentwicklung der Partitur durch den Komponisten, auf deren Grundlage beide Ensembles in einen intensiven Dialog treten. Im Rahmen der Frankfurter Positionen stellen sie das Ergebnis dieses gemeinsamen Arbeitsprozesses vor, der auch in Zukunft weitergeführt werden soll. Die hochenergetische und komplexe Musik Wolfgang Rihms, die selbst unterschiedliche körperliche Gestalten und Aggregatzustände anzunehmen und physikalische Ur-Zustände zu beschreiben scheint, findet ihre Resonanz in der Choreographie der Tänzer und Musiker.

Zeitgenössische Konzertformen und Choreographische Oper

Innerhalb des künstlerischen Schaffens von Sasha Waltz ist ›Jagden und Formen‹ eingebettet in eine Werklandschaft, die die Auseinandersetzung mit zeitgenössischen und klassischen Kompositionen kennzeichnet. Für ihre Stücke ›Körper‹ und ›noBody‹ komponierte Hans Peter Kuhn die Musik, für ›S‹, den Mittelteil der ›Trilogie des Körpers‹, konnte sie den amerikanischen Komponisten Jonathan Bepler gewinnen. 2003 schuf Rebecca Saunders, Meisterschülerin Wolfgang Rihms, die musikalische Grundlage für die choreographische Installation ›insideout‹. 2004 wurde im ›Palast der Republik‹ vor seinem Abriss, zu Musik von Hans Peter Kuhn und Iannis Xenakis ein großes »Dialoge-Projekt« durchgeführt. Eine weitere Station in der Auseinandersetzung mit zeitgenössischer Musik bildete 2006 ›Dialoge 06 - Radiale Systeme‹, die künstlerische Eröffnung des Radialsystem V mit Musik von James Tenney, Iannis Xenakis und zahlreichen Interpretationen klassischer und frühbarocker Kompositionen. Das Werk ›Jagden und Formen (Zustand 2008)‹ von Wolfgang Rihm markiert eine weitere Etappe in der Erarbeitung zeitgenössischer Konzertformen.

Im Bereich des Musiktheaters verfolgt die Choreographin das Ziel, Tänzern, Musikern und Sängern eine darstellerische Äquivalenz und kollektive Präsenz jenseits konventioneller Hierarchien der Künste und Künstler zu ermöglichen. Mit ›Dido & Aeneas‹ erschloss sie sich 2004 eine neue künstlerische Welt: die choreographische Oper. Die Forschungsreise setzte sie 2007 mit ›Medea‹ am Grand Théâtre de Luxembourg und ›Romeo et Juliette‹ an der Opera National de Paris fort.

Die Substanz des Lebens kann herumgezerrt, geworfen, zu Haufen aufgeschichtet, zergliedert werden. Über die nüchterne Anerkennung der Stofflichkeit des menschlichen Körpers nähert das Stück sich einem Verständnis der Entzweiung, die das Körper-Sein uns auferlegt. Es hinterfragt kulturelle Bewegungsschablonen, brachiale Formen des Vergnügens, der Leistungssteigerung und kosmetischen Perfektionierung, die Behandlung des Körpers als Ressource. Warum begegnen wir unserer Verletzlichkeit mit solcher Härte? Warum gleitet das Erzählen über unseren Körper immer wieder an dem vorbei, was wir eigentlich empfinden? Nackt bis aufs Skelett, bis auf die Nieren unterzieht das Stück den Körper einer noch radikaleren Entkleidung: dem Abstreifen der Benennungen, die ihn überall behaften und verdecken. Ihn drehend und windend, auf Abwege lenkend, beginnt die Choreografie die Arbeit an dieser eigentlichen Sichtbarmachung dauernd aufs Neue. Der Körper erscheint als nie Gesehenes.

Sasha Waltz untersucht in »Kreatur« mit 14 Tänzer*innen Phänomene des Seins vor dem aktuellen Hintergrund einer zerrissenen Gesellschaft: Macht und Ohnmacht, Dominanz und Schwäche, Freiheit und Kontrolle, Gemeinschaft und Isolation.

Oper von Toshio Hosokawa
Libretto von Hannah Dübgen nach dem gleichnamigen Noh-Spiel von Zeami
Eine Choreographie von Sasha Waltz

»Matsukaze« ist einer der beliebtesten Klassiker des japanischen Nô-Theaters. Die Schwestern Matsukaze und Murasame lieben denselben Mann, doch ihre Gefühle bleiben zeitlebens unerwidert. Noch Jahre nach dem Tod der Schwestern kehren beider Seelen ins Diesseits zurück, unermüdlich auf der Suche nach ihrem Geliebten.

Sasha Waltz schließt mit der Uraufführung von »Matsukaze« an die Arbeiten ihrer Opernproduktionen »Medea« und »Dido & Aeneas« an, in denen das Schicksal zweier antiker Frauenfiguren im Mittelpunkt steht. Mit der von ihr begründeten choreographischen Oper erweiterte sie die Mittel des Musiktheaters um die theatralen Ansätze des Tanzes und schafft eine neuartige Verschmelzung von Tanz, Gesang und Musik.

Für »Matsukaze« schreibt der herausragende zeitgenössische Komponist Toshio Hosokawa aus Japan die Musik zum überarbeiteten Libretto des Nô-Theater-Klassikers. Die Musikalische Leitung übernimmt der renommierte Dirigent Pablo Heras-Casado. Mit Gesangssolisten wie Barbara Hannigan und Charlotte Hellekant werden erneut außergewöhnliche Sänger gemeinsam mit Tänzern der Compagnie Sasha Waltz & Guests und dem Vocalconsort Berlin die Opernbühne bewegen.

Sasha Waltz & Guests setzt neben der langjährigen Partnerschaft mit dem Grand Théâtre de Luxembourg, das der Compagnie schon bei »Dido & Aeneas« und »Medea« als Koproduzent zur Seite stand, außerdem die Zusammenarbeit mit der Oper La Monnaie in Brüssel und der Staatsoper Unter den Linden Berlin fort. Erstmals ist auch die Polnische Nationaloper Teatr Wielki an einer Produktion als Koproduzent von Sasha Waltz & Guests beteiligt.

Im Mittelpunkt ihrer Arbeit stehen ältere Auslegungen des Stoffes sowie zeitgenössische Interpretationen, die das von der Antike gezeichnete Bild der Medea als Furie, Rächerin und Kindsmörderin kontrastieren: Christa Wolfs Roman »Medea. Stimmen« liefert wichtige Anstöße. Sasha Waltz lenkt den Blick auf die weibliche Kraft der Heilerin, der Mutter – dabei gehen die kreative und die zerstörerische Kraft der Figur in ihrer Arbeit ein ausgeprägtes Spannungsverhältnis ein.

Pascal Dusapins Komposition »Medeamaterial« (1991) zum Text von Heiner Müller ist die Basis für die choreographisch-musikalische Auseinandersetzung mit dem Mythos Medea – erneut in Zusammenarbeit mit der Akademie für Alte Musik Berlin und dem Vocalconsort Berlin. Die musikalische Leitung übernimmt Marcus Creed, die Solopartie der Medea die renommierte Koloratursopranistin Caroline Stein. Die Interpretation des mythischen Stoffes ermöglicht Sasha Waltz eine Verschmelzung all ihrer künstlerischen Mittel. Die antike Welt wird sichtbar in raumfüllenden Gruppenformationen, die archaische Bildsprache fließt in das Bewegungsvokabular ein und stellt so einen narrativen Bezug her.

2009 gestaltete Sasha Waltz & Guests gemeinsam mit dem Solistenensemble Kaleidoskop und dem Vocalconsort Berlin im Rahmen der Projektreihe »Dialoge« von Sasha Waltz die künstlerische Einweihung des Neuen Museums von David Chipperfield und begeisterte Tausende von Zuschauern.

»Métamorphoses« setzt sich zusammen aus sechs in sich geschlossenenen »Miniaturen«, die im Dialog mit der Architektur des Neuen Museums entstanden sind. Es handelt sich um drei Duette sowie drei Gruppenstücke zu Werken von Ruth Wiesenfeld, Yanis Xenakis, Georg Friedrich Haas und György Ligeti.

Mit dem Mahler Chamber Orchestra (MCO) arbeitet Sasha Waltz & Guests seit mehreren Jahren regelmäßig zusammen, Auftakt war die »Radiale Nacht« im Radialsystem V 2011, zuletzt reiste das Ensemble 2013 mit Sasha Waltz nach Kalkutta und realisierte dort »Dialoge 13 - Kolkata«.

Seit der Gründung 1997 hat sich das Mahler Chamber Orchestra (MCO) zu einem der künstlerisch interessantesten und erfolgreichsten Ensembles des internationalen Musiklebens entwickelt. Seit 1998 ist das MCO Residenzorchester in Ferrara, was das Gastspiel am 21. Februar zu einem besonderen Ereignis macht.

Na Zemlje (dt.: Auf Erde) ist der Titel der neuen Tanzproduktion von Sasha Waltz. Das Leben auf dem Lande war der Ausgangspunkt dieser deutsch-russischen Koproduktion zwischen Sasha Waltz & Guests und dem Moskauer Theater Schule für Dramatische Kunst von Anatolij Vasiliev und seiner Klasse für Expressive Bewegung unter der Leitung von Gennadij Abramov. Sechs Tänzer dieser Klasse sowie sechs Tänzer des Ensembles von Sasha Waltz nehmen an der Produktion teil.

Das Zusammentreffen zweier Kulturen war für den Entstehungsprozeß des Stückes sehr wichtig. Nachdem Sasha Waltz sich in ihren bisherigen Arbeiten primär mit dem Leben in einem urbanen Milieu auseinandergesetzt hat, erforscht sie in Na Zemlje das Verhältnis des Menschen zur Natur und die Natur im Menschen. Kampf, Dominanz, Ausgrenzung und Opfer sind Themenkomplexe, die die Choreographie bestimmen.

Die ersten drei Probenwochen fanden auf dem ehemaligen Gut von K. S. Stanislavskij in Ljubimovka bei Moskau statt. Hier probte der Regisseur die Uraufführung der »Möwe« von A. P. Cechov mit den Schauspielern des Moskauer Künstlertheaters, und hier schrieb Cechov seinen »Kirschgarten«. Heute ist die Idylle vergangener Zeiten vielfach gebrochen durch Ruinen, zerstörte Natur und die überall spürbare Ungewißheit und Härte der russischen Gegenwart. Nicht nur diese Umgebung der ersten Probenwochen, sondern auch die Atmosphäre der Gemälde Pieter Bruegels gaben Sasha Waltz Anregungen zu ihrer choreographischen Arbeit.
Die Musik für das Stück besteht aus Originalkompositionen von Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola und aus einem von ihm arrangierten russischen Volkslied. Wie schon in »Zweiland« wird die Musik von den Tänzern selbst gesungen und gespielt.

»noBody« bildet den Abschluss eines dreiteiligen choreographischen Zyklus über den Menschen und seinen Körper, den Sasha Waltz im Zeitraum der Jahrtausendwende schuf. In »Körper« untersuchte sie die Materialität des Menschen, setzte die Körper der Tänzer*innen in Beziehung zu Architektur, Wissenschaft und Geschichte. »S« spürt dem Ursprung des Lebens, dem Eros und der Sinnlichkeit nach. »noBody« stellt die Frage nach der metaphysischen Existenz des Menschen, thematisiert die Abwesenheit des Körpers und konfrontiert sich mit den Gefühlen, die die Erkenntnis der Sterblichkeit in uns auslöst. »Was ist der Mensch über seinen Körper hinaus? Was ist das Unsterbliche in uns?« Gemeinsam mit 25 Tänzer*innen stellt sich Sasha Waltz der Herausforderung, das Nicht-Stoffliche, das Geistige jenseits des Körpers sichtbar zu machen und das Mysterium der menschlichen Existenz und des Todes zu befragen.

Die Tänzer*innen Luc Dunberry, Sasa Queliz und Junko Wada sind Teil der Originalbesetzung von 2002.

Claudio Monteverdis »Orfeo« gilt als ein Meisterwerk europäischer Musikgeschichte und genießt den Ruf, die erste Oper der Musikgeschichte zu sein - sicher ist seine Vertonung des Mythos um Orpheus und Eurydike die erste, heute erhaltene »Favola in musica«, die mit der Uraufführung 1607 erstmals Instrumentalmusik, Gesang, Tanz und Bühne als eine Einheit verstand.
Für Sasha Waltz laufen in Orfeo verschiedenen Stränge vorangegangener Kreationen zusammen, verbinden sich Solisten aus ihren Bearbeitungen zeitgenössischer Werke mit den Akteuren der Alten Musik.
Ihre Version von Henry Purcells Barockoper »Dido & Aeneas« wurde 2004 zum Beginn eines neuen Kapitels ihrer künstlerischen Arbeit. Sie erweiterte die Mittel des Musiktheaters um die theatralen Ansätze des Tanzes und schuf eine für die Oper neuartige Verschmelzung von Tanz, Gesang und Musik: die choreographische Oper. In der Auseinandersetzung mit den Kompositionen »Medea« (Dusapin, 2007), »Roméo & Juliette« (Berlioz, 2007), »Passion« (Dusapin, 2010) und »Matsukaze« (Hosokawa, 2011) entwickelte sie dieses Genre kontinuierlich weiter.
Nach der Auseinandersetzung mit dem Orpheus-Mythos in Pascal Dusapins Kammeroper »Passion« knüpft Sasha Waltz nun wieder am barocken Ursprung an und integriert ebenso den Chor und die Solisten in die Bewegungen, als auch die Tänzer in das musikalische Geschehen.
Für den »Orfeo« arbeitet Sasha Waltz erneut gemeinsam mit dem Dirigenten Pablo Heras-Casado und den Gesangssolisten Charlotte Hellekant und Georg Nigl zusammen. Außerdem setzt sie die langjährige Zusammenarbeit mit dem Vocalconsort Berlin fort. Darüber hinaus arbeitet die Compagnie Sasha Waltz & Guests erstmals mit dem Freiburger Barockconsort, der Kammerformation des Freiburger Barockorchesters, zusammen.

Mit »Passion« beschäftigt sich Sasha Waltz nach »Dido & Aeneas« 2005 und »Medea« 2007 erneut mit der Erarbeitung einer choreographischen Oper. Wiederum ist es eine zeitgenössische Komposition des Franzosen Pascal Dusapin, die die Grundlage bildet. Ihr Augenmerk gilt diesmal verstärkt der choreographischen Arbeit mit den beiden Solisten Barbara Hannigan und Georg Nigl. Ihnen wird eine kleine Gruppe von Tänzern darstellerisch beigestellt.

Die Handlung des Mythos gibt den dramaturgischen Rahmen vor, wobei dem Bühnenbild und insbesondere dem Licht eine zentrale Rolle zukommt, die Grenze zwischen den beiden Welten zu bezeichnen. Innerhalb der Aufführung passieren die Darsteller auf der Bühne verschiedene Schichten, die die Oberwelt (die Wirklichkeit) von der Unterwelt (der Nicht sichtbaren Welt) teilen.

Die Musik zu »Passion« von Pascal Dusapin ist eine zeitgenössische Beschäftigung mit dem Orpheus-Mythos, im musikalischen Sinne insbesondere mit der Oper von Claudio Monteverdi. Dusapin erzählt den Mythos weitgehend aus Sicht der Eurydike. Die Titelpartie singt die großartige Barbara Hannigan, ihr Partner ist der ihr absolut ebenbürtige Georg Nigl. Als Chor wurde das Vocalconsort Berlin, langjähriger Partner der Compagnie, verpflichtet, es spielt das renommierte Ensemble Modern unter der Leitung von Franck Ollu, mit dem Sasha Waltz & Guests bereits Wolfgang Rihms »Jagden und Formen« realisiert hat. Das Libretto wurde in italienischer Sprache verfasst.

Im Anschluss an ihre beiden letzten Projekte »Kreatur« und »Exodos«, in welchen zeitlose, teils archaische Ebenen der menschlichen Existenz sowie unterschiedliche Gruppendynamiken ergründet wurden, widmet sich Sasha Waltz in ihrem neuesten Stück von 2019 dem in künstliche Strukturen eingebetteten Leben der Gegenwart. »rauschen« beschäftigt sich mit einer Gesellschaft, der in den Kulissen ihres perfekten Lebensraumes die Welt und das reale Miteinander abhandengekommen sind. Vor dem Hintergrund unserer aktuellen Situation von sozialer Distanz und einer zusätzlichen Verlagerung des Lebens ins Digitale, erhält »rauschen« eine neue Dimension.
Als zentrale Aufgabenstellung an die 12 Tänzer*innen war in der Bewegung keine oder kaum Berührung erlaubt. Den kreativen Prozess begleitete als inspirierende Referenz George Lucas‘ dystopischer Science-Fiction-Klassiker »THX 1138«, der den heutigen „Überwachungskapitalismus“ bereits 1967 fast schon prophetisch erzählt. Im Zentrum standen unter anderem die Fragen: Welche Bewegungssprache geht aus Zuständen hervor, in denen Geist und Körper von Technologie unabgrenzbar durchdrungen sind? In welche Lage versetzt uns ein Überangebot an Komforts, die zugleich Kontrollmittel sind? Wo liegt der Horizont eines global vernetzten und zugleich weltvergessenen Lebens? Die halbrunde Form des Bühnenraumes wird dabei als Aufforderung verstanden, unsere inneren Panoramen neu zu befragen und auszuloten. Die den aktuellen Bestimmungen angepasste Choreographie steuert in einen Enthüllungsprozess, bei dem die bildliche und tänzerische Sprache des Stücks durch eine subversive Kraft erobert und verwandelt wird.
»rauschen« ist eine Kollaboration mit dem Lichtdesigner David Finn, der mit Sasha Waltz vor allem in ihren großen Opernproduktionen zusammenarbeitete und eine vollkommen weiße Bühne mit seinen lebendigen Lichtsphären bespielt. Das Kostümbild gestaltete Bernd Skodzig, dessen Kreationen Sasha Waltz’ choreographisches Schaffen seit vielen Jahren begleiten.

Körper in Raum und Zeit. Wir sind anwesend. Wir sind in diesem Raum anwesend. Aber wir sind auch gemeinsam in dieser Zeit. Welche Spuren haben wir / werden wir hinterlassen? In seinem Deutschlanddebüt im Auftrag von Sasha Waltz & Guests begibt sich der US-amerikanische Performer, Autor und Regisseur Andrew Schneider gemeinsam mit neun Tänzer*innen der Compagnie auf eine Recherche-Reise in die zugleich wissenschaftlichen wie mystischen Felder der Quantenverschränkungen und der menschlichen Verstrickungen. Wie wirken sich Quantenverschränkungen auf die Energie zwischen zwei menschlichen Wesen aus? Schreiben sich geisterhafte Ereignisse von der Ferne in den Körper ein? Haben sie nachhaltigen Einfluss auf unser Zusammenleben? Gibt es eine Erklärung dafür, wie wir genau hier und jetzt gelandet sind? Und lassen sich unsichtbare Kräfte erfahrbar machen?
Andrew Schneider arbeitet an der Schnittstelle von Performance und Technologie. Er interessiert sich nicht für Technologien um ihrer selbst Willen, sondern dafür, wie diese eingesetzt werden können, um einem Publikum Erfahrungen zu ermöglichen, die sie bisher noch nicht gemacht haben.

Sasha Waltz schuf 2007 mit »Roméo et Juliette« im Auftrag der Opéra national de Paris ihre dritte choreographische Oper nach »Dido & Aeneas« (2005) und »Medea« (2007) - 2012 übernahm die Mailänder Scala die Choreographie in ihr Repertoire, nun tanzen die Tänzer der Compagnie Sasha Waltz & Guests »Roméo et Juliette« erstmals in Berlin!

Begeistert von Shakespeares Drama – und insbesondere der damaligen Darstellerin der Julia – komponierte Hector Berlioz im Jahre 1839 »Roméo et Juliette«. Seine dramatische Symphonie besteht sowohl aus einzelnen Mouvements, reinen Instrumentalsätzen als auch gesungenen Teilen für Solisten und für zwei große Chöre.

Die dunkle Tragödie um die unglücklichen Liebenden ist eines der bekanntesten Werke Shakespeares. Nachdem alle Wege zum Guten sich ineinander verstrickt haben und schließlich nur noch ein Weg zum Bösen zu existieren scheint, beherrscht die Dunkelheit der Nacht und des Hasses zwischen den beiden alten Familien den Verlauf des Stücks. Nichtsdestotrotz ist diese Geschichte der Liebenden von Veron, eine Geschichte der Hoffnung. Die zerbrechliche Leidenschaft der beiden jungen Liebende, lässt ein Gegengewicht zu den etablierten Kräften entstehen. Schließlich bringt das unfreiwillige Opfer der Jugend den Erwachsenen Weisheit und Erkenntnis. Der Tanz des Todes wird der Tanz des Lebens.

»S« bildet den Mittelteil der »Trilogie des Körpers« von Sasha Waltz. So wirkt das Stück als Bindeglied zwischen der Auseinandersetzung mit der Physis des Menschen in »Körper« einerseits und der Metaphysik menschlichen Seins in »noBody« andererseits. Wurden Sexualität und Eros in den beiden anderen Produktionen fast vollständig ausgespart, stehen sie in »S« thematisch im Zentrum. Der New Yorker Musiker Jonathan Bepler, bekannt durch seine langjährige Zusammenarbeit mit Matthew Barney am »Cremaster Zyklus«, komponierte die raumgreifende Originalmusik der Inszenierung. »Das Erstaunliche ist, dass sich die Körper der Tänzer so langsam bewegen, dass ich jeden Augenaufschlag, jede Muskelspannung sehe – und zwar in einer gesamten Bewegungsfolge. So erkenne ich, daß die Körper lebendig sind. Dadurch, daß man die Bewegung verlangsamt, kann man Leben zeigen. Während die Schnelligkeit des Bildes in den Medien das Leben tötet. Das Einzige, was man da bekommt, ist Oberfläche, Haut ohne Leben.«
Judith Butler über »S«

L'Après-midi d'un faune
Scène d'Amour
Sacre

Es gilt als eines der Schlüsselwerke der Moderne: Hundert Jahre nach der Entstehung von Igor Strawinskys »Le Sacre du Printemps« beschäftigt sich Sasha Waltz im Auftrag des Mariinsky Theaters mit diesem außergewöhnlichen Werk der Tanz- und Musikgeschichte. Der Titel wird mit »Das Frühlingsopfer« oder »Die Frühlingsweihe« übersetzt. Die archaisch anmutende, spannungsreiche und kantige Komposition ist geprägt von einer stark betonten Rhythmik, jähen Einbrüchen und der Übereinanderschichtung sich beständig wiederholender musikalischer Motive. Zahlreiche fast geräuschhafte Dissonanzen und der expressionistische Klangeindruck machten das Werk zu einem der bekanntesten Musikstücke der modernen Avantgarde.
In einigen früheren großformatigen Stücken von Sasha Waltz, »Na Zemlje« (»auf Erde«, 1999), »Medea« (2007), »Jagden und Formen (Zustand 2008)« und »Continu« (2010), sind Elemente ihrer Recherche zu Ritus und Gruppendynamik bereits erkennbar. Mit der Choreographie zu »Le Sacre du Printemps« von Igor Strawinsky widmet sie diesen Themen nun ein ganzes Stück.

In der Besetzung von Sasha Waltz & Guests wurde »Sacre« im September 2014 in Brüssel uraufgeführt.
In Berlin feierte Sasha Waltz & Guests im Oktober 2014 neben der Deutschlandpremiere von »Sacre« sowie der »Scène d'Amour« aus »Roméo et Juliette« von Hector Berlioz auch die Uraufführung der Choreographie »L'Après-midi d'un faune« zur Musik Debussys. In dieser Kombination präsentiert Sasha Waltz & Guests den Abend in diesem Jahr in Köln und Berlin.

Rund 60.000 BesucherInnen sahen in den vier Monaten Laufzeit die Ausstellung »Sasha Waltz. Installationen Objekte Performances« am ZKM | Karlsruhe. Das bis dahin neue Ausstellungsformat war dabei mit großem Interesse und viel Begeisterung aufgenommen worden. Mit einer großen Abschlussveranstaltung ging sie nun zu Ende: TänzerInnen der Compagnie Sasha Waltz & Guests zeigten neue Performances, die bis dato nur auf der Bühne zu sehen gewesen waren. Den großen Abschluss bildete die umfallende Wand der Installation »Körper«. Bereits seit über einem Monat waren die zwei Tage der Abschlussveranstaltung ausverkauft.

Anlässlich ihres Geburtstages holte das ZKM die international gefeierte und in Karlsruhe geborene Choreographin Sasha Waltz zurück in ihre Heimatstadt. Das 20-jährige Jubiläum des von Waltz gegründeten Tanzensembles »Sasha Waltz & Guests« bildete darüber hinaus einen hervorragenden Anlass, ihr Werk in einem völlig neuen Kontext außerhalb der weltweiten Bühnen nun im ZKM | Medienmuseum zu präsentieren. Mit der Sonderausstellung ehrte das ZKM die fundamentale Rolle Sasha Waltz’ in der internationalen Tanz- und Bühnenwelt. Die Choreographin spielte schon lange mit der Idee, diese Installations- und Multimedia-Elemente aus dem Bühnenkontext herauszulösen und als eigenständige Installationen zu präsentieren.

Sasha Waltz hat für das Staatsballett Berlin ein neues Werk für Tanz und Musik geschaffen, das als Koproduktion mit Sasha Waltz & Guests zur Uraufführung gebracht wird. Die Choreographin hatte den renommierten Komponisten Georg Friedrich Haas mit der Komposition einer originären Ballettmusik beauftragt. Nach zahlreichen Opern ist »SYM-PHONIE MMXX« sein erstes offizielles Bühnenwerk für den Tanz.

Für eine große sinfonische Besetzung der Staatskapelle Berlin geschrieben, wird in der Komposition Raum geschaffen für Elemente, die von Tanz bestimmt werden, in denen die musikalische Sprache und die Körpersprache der Tänzer*innen eine enge Verbindung eingehen. Georg Friedrich Haas zählt zu den erfolgreichsten Komponisten zeitgenössischer Musik, nicht zuletzt, weil er seine Arbeit der »in hundertprozentiger Vollkommenheit unerfüllbaren« Utopie verschrieben hat, eine neue Musik zu schaffen, die zugleich expressiv und wohltönend ist — dies nicht obwohl, sondern weil sie neu ist.

Das Konzept dieser Produktion beruht auf einer inspirierenden Begegnung der Künste, die, in bester Tradition der Tanzgeschichte, zum Prinzip erhoben wird: Musik, Tanz und Bildende Kunst wurden von Sasha Waltz und ihrem Team zu einem abendfüllenden Werk geformt, das ursprünglich im Jahr 2020 auf die Bühne der Staatsoper Unter den Linden gebracht werden sollte. Schließlich wegen des Lockdowns zur Eindämmung der Corona-Pandemie drei Wochen vor der Premiere abgesagt, wird es nun, zwei Jahre später, zur Welturaufführung gebracht.

Tannhäuser und der Sängerkrieg auf Wartburg.
Eine Oper von Richard Wagner mit dem Staatsopernchor und der Staatskapelle Berlin.

1993 kam Sasha Waltz auf Einladung des Künstlerhauses Bethanien nach Berlin, um ein interdisziplinäres Projekt mit dem Titel »Dialoge« zu erarbeiten. In einer Koproduktion zwischen dem Grand Theatre Groningen und der neugegründeten Compagnie Sasha Waltz & Guests entstand im Anschluß daran der erste Teil der Travelogue-Trilogie: »Twenty to eight«. In den beiden folgenden Jahren entwickelte Sasha Waltz mit wechselnden Gasttänzern in Berlin die weiteren Teile der Trilogie, »Tears Break Fast« und »All Ways Six Steps«. Alle drei Stücke wurden auf zahlreichen Gastspielen vor einem begeisterten Publikum in der ganzen Welt gezeigt und legten vor 15 Jahren den Grundstein für die Karriere von Sasha Waltz.

Mit Humor, Aggressivität und Sinnlichkeit zeichnete Sasha Waltz in ihrem ersten Tanzstück „Travelogie I – Twenty to eight“ 1993 ein Sittenbild der Gegenwart, das über die Jahre nichts an Brisanz und Relevanz eingebüßt hat: ein Tanzklassiker. Eine neue Tänzergeneration hat nun das Stück im Dezember 2007 mit überwältigendem Erfolg übernommen: Edivaldo Ernesto, Mamajeang Kim, Florencia Lamarca, Davide Camplani und Maria Marta Colusi werden es zukünftig im Radialsystem V tanzen.

»Vor einigen Jahren war ich in Barcelona in einer Bar in der seit zig Jahren die gleichen Schauspieler jeden Abend die gleiche Show spielen. Sie stehen erst hinter der Bar und spülen Gläser und gehen dann für ihren Auftritt auf die Bühne. Sie leben nur noch ihren Traum und sind der Wirklichkeit völlig abhanden gekommen. Die Situation war so tragisch, daß ich nicht wußte ob ich lachen oder weinen sollte.«
Sasha Waltz

Sasha Waltz führt uns auf ihrer Reise Travelogue durch Räume des Alltags. Nach der Küche im ersten Teil »Twenty to eight« treffen wir sie und ihre Gäste in »Tears break fast« in Bad und Bar. Das Badezimmer als Ort des Rückzugs, der Entblößung, der geheimen Passionen und Unbeschwertheit befindet sich Tür an Tür mit einer Bar, dem Ort des schönen Scheins, des Glamours und der unerfüllten Träume. Hier entspinnt sich eine Handlung, deren Ausgang im Dunkeln liegt. Vier Menschen - oder sind es fünf ? - baden und trinken, tanzen und träumen. Das Publikum nimmt Teil an ihrem Verlangen und Lieben, ihren Süchten und Verbrechen ... und ihrem Scheitern.

Im dritten und letzten Teil »All Ways Six Steps« ist der Innenraum gegenüber den beiden anderen Produktionen noch kleiner und intimer geworden: Sasha Waltz und ihre Gäste führen uns nun in ein Schlafzimmer, das einer lebensgroßen Puppenstube gleicht. Dieser Raum mit seinem Mobiliar Bett, Schrank, Tisch, Stuhl und Nachttischschränkchen bietet kaum Platz zum Tanzen und entstand als stilisierter Nachbau eines Pariser Hotelzimmers, in dem die Proben ihren Anfang nahmen.

Die Parallel- und Außenwelt zu diesem Ort der Enge ist der Hof des Hauses. Das Bühnenbild ist so in zwei Ebenen unterteilt und symbolisiert unterschiedliche Welten. Das Zimmer befindet sich im ersten Stock und der Hof auf ebener Erde. Der formelle Ausgangspunkt von »All Ways Six Steps« ist die Kombination dreier Duette: Zwei Frauen, zwei Männer, ein Mann und eine Frau. Diese Personen stoßen aber auch in Gruppenszenen aufeinander.
Der amerikanische Komponist Tristan Honsinger am Cello, der auch die Originalmusik der beiden anderen Travelogue - Produktionen komponiert hat und der senegalesische Sänger Mola Sylla übernehmen die Rolle von Erzählern, die am Ende selbst Teil der Geschichte werden.

Zwanzig Tänzerinnen exerzieren gemeinsam mit Sasha Waltz Rituale von Weiblichkeit und erforschen deren Körperbilder. Was entsteht, wenn sich Frauen verbinden und verbünden? Und wie können mit dem Wissen der Vergangenheit neue feministische Bewegungen entstehen, die einen Geschlechterkampf hinter sich lassen? Unter anderem inspiriert von Judy Chicagos ikonischer Arbeit »The Dinner Party« (1979, Brooklyn Museum, New York) arbeitet die Berliner Choreographin erstmals mit einem reinen Frauenensemble. In Karl Friedrich Schinkels St. Elisabeth Kirche verbindet sich die Live-Performance mit einer Architektur-Ikone der Stadt und die Tänzerinnen mit dem Publikum in einem immersiven Raumerlebnis.

Zuhören #4
Climate change & democracy
From complexity to action

Die vierte Ausgabe von »Zuhören – Dritter Raum für Kunst und Politik«, den Sasha Waltz & Guests wieder öffnet, sucht neue und aktuelle Herausforderungen: Nach drei Editionen 2016 und 2017 rund um das aktive Zuhören, Migration und engagierte Communities rücken die drängenden Themenkomplexe Klima- und Demokratiewandel in den Fokus. Sasha Waltz & Guests lädt ein Wochenende lang Menschen ins Radialsystem ein, um lokale Initiativen, das Netzwerk der Compagnie und internationale Gäste kennen zu lernen, sich auszutauschen, gemeinsam Neues zu erfahren und Altes in Frage zu stellen. In einem kollektiven Prozess, der Kopf, Herz und Füße anspricht, werden unterschiedliche Blickwinkel auf unser komplexes Heute beleuchtet – um gemeinsam ins Handeln zu kommen.
Workshops, Gespräche und Interventionen werden von Tanz, Musik und gemeinsamem Essen begleitet. Ein Wochenende im Zeichen der Empathie, des genussvollen Lernens und der Partizipation. Für neue Verbindungen über die Grenzen von Kunst, Naturwissenschaft, Politik, Philosophie und Zivilgesellschaft hinaus!
 
Programm

Freitag, 13. Dezember ab 19 Uhr

Als Einführung in das komplexe Themenfeld Klimawandel eröffnet der US-amerikanische Regisseur Josh Fox am Freitagabend »Zuhören #4« mit seiner Solo-Lecture-Performance »The Truth Has Changed«. Diese teils sehr persönliche Sicht auf das Thema wird anschließend um die Perspektive der Meeresbiologin Prof. Dr. Anke Boetius, einer Stimme aus dem Globalen Süden und einer Vertreterin der Bewegung »Fridays for Future« erweitert. Mit einem Late Night Concert klingt der Abend im Radialsystem musikalisch aus: Joseph Houston (Klavier) und Sarah Saviet (Violine) untersuchen die Schnittstelle zwischen Musik und Natur anhand ausgewählter Kompositionen – in Begleitung von ungewöhnlichen Klangkörpern, jenseits der klassischen Konzertsituation.

Samstag, 14. Dezember ab 14 Uhr

Der Samstag steht ganz im Zeichen von Tatkraft und Impulsgebung: Nach einem Warm-Up beim gemeinsamen Dabke-Tanzen mit Medhat Aldaabal und Ali Hasan bieten unterschiedliche Initiativen Workshops rund um das Thema Klimawandel und Aktivismus an. Als Tanzcompagnie starten wir hier mit Kunst und Körper, öffnen aber ganz bewusst für Ernährung, die Verbindung von Personal Development und Strukturwandel, Wirtschaft und Empowerment: »Wie künstlerisch kann politischer Aktivismus sein?« fragt Josh Fox. »Wie sieht nachhaltiger Umgang mit Lebensmitteln aus?« zeigt »Restlos Glücklich«. »Wie kann man Widerstand körperlich erfahren?« – ein Thema für Extinction Rebellion und Amazonas Solidarity Berlin.
Das gemeinsamen Abendessen leitet in den zweiten Teil des Tages über: Mit dem Tanzstück »Teqsi muyu marq’ay – Eine warme Umarmung für die Erde« präsentiert die Teens-Gruppe der Kindertanzcompany von Sasha Waltz & Guests ihre künstlerische Auseinandersetzung mit Klimawandel und Klimagerechtigkeit im Kontext indigener Völker und ihrer Werte. Die Jugendlichen öffnen damit den Raum für ein anschließendes Gespräch mit dem Philosophen Andreas Weber und der Tänzerchoreographin Luz Zenaida Hualpa García zum Thema »Indigenialität«. Auf der anschließenden Party mit DJ schließt sich der Kreis mit gemeinsamem Tanz.

»FutureLeaks» lädt Samstag und Sonntag ganztägig mit einem immersiven Parcours dazu ein, die Zukunft neu zu schreiben. Der Saal des Radialsystems verwandelt sich über die drei Tage in einen Ort des Austauschs und des gemeinsamen Essens – die Initiative »Restlos Glücklich« bringt zusammen mit dem Publikum »gerettete« Lebensmittel in geschmackvoll-kreativer Zubereitung auf den Tisch.

Sonntag, 15. Dezember, ab 14 Uhr

Im Angesicht komplexer Krisen in unserer globalisierten Welt empfinden Menschen weltweit ein Gefühl der Ohnmacht. Gleichzeitig wächst ziviles Engagement, um in die Tat zu kommen. Welche Rolle spielen das Zuhören und der Dialog für die Weiterentwicklung der Demokratie und des lokalen wie globalen Miteinanders? Diesen und weiteren Fragen widmet sich der dritte und letzte Tag von »Zuhören #4«. Nach dem gemeinsamen Warm-Up »Collective Intelligence in motion« mit Gabriel Galindez Cruz folgt ein Gespräch in Zusammenarbeit mit »Das Progressive Zentrum« und Gästen wie Lex Paulson & Bernard Le Roux (School of Collective Intelligence, Marokko), Maria Exner (Zeit Online – »Deutschland spricht«) und Maja Göpel (Expertin für Klimapolitik). Gemeinsam mit einem Gründungsmitglied des World Human Forums Delphi beschäftigt sich das Publikum spielerisch mit den 17 UN-Nachhaltigkeitszielen.
Musik und Tanz bringen Rhythmus in den Tag. Der Tänzer und Choreograph Sergiu Matis führt in seiner performativen Soundinstallation »Extinction Room» sehr eindrücklich das Artensterben vor Augen. Mit gemeinsamem Essen und einer kollektiven Tanzimprovisation in der großen Halle des Radialsystems endet »Zuhören #4« in Bewegung.

Sasha Waltz & Guests setzt »ZUHÖREN« fort: Die dritte Edition findet vom 24. bis 26. November 2017 im Radialsystem V statt und öffnet erneut einen Raum an der Schnittstelle von Kunst und Politik, Öffentlichem und Privatem. »ZUHÖREN« beinhaltet neben dem Programm aus Filmpremieren, Konzerten, Tanz, Installationen, Workshops und gemeinsamem Essen auch Gespräche, die einen inspirierenden Austausch anregen wollen: Die Compagnie stellt Künstler*innen und Aktivist*innen aus dem Nahen und Mittleren Osten, den USA, Brasilien und Berlin vor, die mit ihrer Arbeit künstlerischen Widerstand leisten und auf ganz eigene Weise dazu beitragen, dass neue Gemeinschaften entstehen und vielfältige Communities stark werden.
Mit dabei sind u.a. die Künstler Hiwa K und Rick Lowe, die Choreographinnen Lia Rodrigues und Modjgan Hashemian, die #NDAPL-Aktivistin Floris White Bull, die Dokumentarfilmemacherinnen Carol Mansour und Muna Khalidi und die Leiterin der ifa- Galerie Berlin Alya Sebti. Außerdem die Berliner Initiativen »Baynetna – Between us, Deutsch-Arabische Bibliothek«, »Women for Common Spaces«, »The Space Berlin« und »The Poetry Project«.
Politisch-kreatives Engagement von Frauen für nachfolgende Generationen und friedlicher Kampf in neuen Allianzen sind rote Fäden, die sich durch »ZUHÖREN« 2017 ziehen und in den Gesprächen und Präsentationen, aber auch in Tanz und Musik zum Vorschein treten.

»Continu« (2010) für 21 Tänzer ist die expressivste Arbeit von Sasha Waltz, in der das monumentale Orchesterwerk »Arcana« (1927) von Edgar Varèse das musikalische Zentrum bildet. Thematisch wird das konfliktreiche Verhältnis von Individuum und Gruppe bearbeitet. Die aktuellen Erfahrungen mit Flucht, Migration und der Vielfalt kultureller Identitäten eröffnen einen neuen Wahrnehmungshorizont. Für den Austausch bei gemeinsamem Essen wird ein Raum geschaffen, der vor und nach den Vorstellungen besucht werden kann.

Die Compagnie Sasha Waltz & Guests arbeitet mit Menschen aus allen Kontinenten und erfährt auf Tourneen viel Gastfreundschaft. Sasha Waltz nimmt die Vorstellungen von »Continu« und die aktuelle Flüchtlingskrise zum Anlass, um unter anderem am 03. und 09. Februar unter dem Motto ZUHÖREN Gäste aus dem Nahen Osten, dem Mittelmeerraum und Deutschland einzuladen: Zu Gesprächen und Begegnungen, um künstlerische Strategien angesichts der Konflikte, die Situation von Frauen und modellhafte Initiativen zu beleuchten. Mit der syrischen Journalistin, Linguistin und Menschenrechtsaktivistin Yasmin Merei, der georgischen Filmregisseurin Keti Dolidze, der Publizistin Carolin Emcke u.a.

Die Compagnie Sasha Waltz & Guests arbeitet seit über 20 Jahren mit Menschen aus allen Kontinenten und erfährt auf weltweiten Tourneen viel Gastfreundschaft und Interesse. Sasha Waltz nimmt die fünf Vorstellungen von »Continu« zum Anlass unter dem Motto »ZUHÖREN« Gästen aus dem Nahen Osten, dem Mittelmeerraum und Deutschland eine Plattform zu geben: Für Präsentationen, intensi- ve Gespräche und Begegnungen zu den Themen künstlerische Strategien und Interventionen, Frauen in Krisensituationen im Nahen Osten und den Möglichkeiten zivilgesellschaftlichen Engagements in den Künsten, den Medien und im täglichen Leben.

Freitag 5 Februar 2016
Wie gehen Künstler mit Krisensituationen und wachsender Gewalt um? Am Beispiel von Fotografie und Musik stellen die Gäste des Abends ihre aktuellen Projekte vor und kommen ins Gespräch.
Herlinde Koelbl, deutsche Fotokünstlerin, stellt ihr international viel beachtetes Fotoprojekt »Targets« vor. Sechs Jahre
lang bereiste sie 30 Länder und dokumentierte militärische Ausbildungsorte und landestypische Schießziele. Wie setzen sich Feindbilder zusammen?
Karim Wasfi, irakischer Cellist und Dirigent, berichtet über seine langjährige künstlerische und musikpädagogische Arbeit als Leiter des »Iraqi National Symphony Orchestra«, seinen Umgang mit Attentaten in der Stadt und die Gründung des »Karim Wasfi Center for Creativity – Peace Through Arts«.
Stéphan Talneau, französischer Filmregisseur, porträtiert seit 2008 in der Reihe »BerlinerMoment« internationale Musiker, die in Berlin arbeiten. Die Preview seines neusten Films, in Zusammenarbeit mit Laurent Latappy, stellt das arabische Musikensemble »Orphe« vor.
Gesprächsführung: Georg Diez, Journalist und Autor
Anschließend Raum-Installation mit Essen, Live-Musik und DJ.

Samstag 6. Februar 2016
Georgien ist ein stark christlich geprägtes Land zwischen Russland und dem muslimischen Nahen Osten und war im 20. Jahrhundert Schauplatz vieler gewaltsamer Auseinandersetzungen. Wie gehen Künstler mit dieser geografischen Situation und Geschichte um? Ausgangspunkt für die Begegnung der georgischen Künstlerinnen ist das Engagement von Frauen und die Leidenschaft für Geschichten.
Keti Dolidze, georgische Schauspielerin, Festivaldirektorin »GIFT Tiflis« und Begründerin des »Women’s International White Scarf Movement« im georgischen Bürgerkrieg der 90er Jahre.
Nino Haratischwili, georgische Regisseurin und Autorin, lebt in Deutschland. Ihr epochaler Familienroman »Das achte Leben (Für Brilka)« macht die Geschichte Georgiens im 20. Jahrhundert über vier Generationen Frauenschicksale erlebbar.
Salomé Jaschi, georgische Dokumentarfilmerin und Unterstützerin der Dokumentarfilmszene im Südkaukasus ist der Region und exemplarischen Geschichten bis in die entlegendsten Gebiete auf der Spur.
Gesprächsführung: Jutta Schwengsbier, International Correspondents Media Network
Anschließend Vorstellung »Continu«, danach Raum-Installation mit Essen, Live-Musik und DJ.

Dienstag 9 Februar 2016
Zum Abschluss von »ZUHÖREN« steht Syrien im Fokus des Gesprächs.
Yasmine Merei wurde in Homs, Syrien, geboren und ist Journalistin, Linguistin und Menschenrechtsaktivistin. Sie ist Chefredakteurin von »Sayyidat Souria« (»The Lady of Syria«), dem ersten nicht religiös motivierten Frauenmagazin in Syrien, das sich als Sprachrohr und Plattform für eine neue Generation syrischer Frauen versteht.
Carolin Emcke ist freie Publizistin in Berlin. Sie schreibt und spricht über Themen wie Globalisierung, Krieg, Menschenrechte, Theorien der Gewalt, Zeugenschaft und kulturelle Identitäten.
Mohammad Al Attar ist syrischer Theaterautor und Dramaturg. Sein neuestes Stück »Antigone of Shatila« (2015) vermittelt
den griechischen Stoff aus der Perspektive syrischer Frauen, die in den Libanon geflüchtet sind.
MiCT (Media in Cooperation and Transition) stellt »Start FM« vor, ein Informations- und Kulturradio in arabischer Sprache für Geflüchtete und Migranten. Eine Pilotsendung mit Gästen und live Musik realisiert von MiCT – Media in Cooperation and Transition.
Gesprächsführung: Christian Mihr, Reporter ohne Grenzen
Anschließend Raum-Installation mit Essen, Live-Musik und DJ; Dokumentarfilm »Not Who We Are« von Carol Mansour (Libanon).

Mit ZUHÖREN öffnet Sasha Waltz & Guests am 18. und 19. Juni 2016 zum zweiten Mal einen »dritten Raum« für Kunst und Politik. Sasha Waltz lädt angesichts der aktuellen Situation von Krieg, Terror, Flucht und zivilem Engagement internationale Künstler, Journalisten, Menschenrechtsaktivisten und Politiker ein, in drei Gesprächsrunden zu den Themen Film, Literatur und politischer Partizipation miteinander in Dialog zu treten. Was sind unsere künstlerischen, journalistischen und politischen Strategien, um Einfluss zu nehmen? Die Gespräche kuratiert und moderiert die syrische Journalistin und Menschenrechtsaktivistin Yasmine Merei. Improvisationen mit Tänzern der Compagnie und Musikern wie Burak Özdemir, Michael Rauter, Bob Rutman, Grégoire Simon und Robyn Schulkowsky bilden diesmal das künstlerische Programm. Begleitet von Konzerten, Filmen, audiovisuellen Installationen, syrischem Essen sowie Workshops für Kinder.

Die Choreographin Sasha Waltz begeistert durch phantasievolle und surreale Geschichten, die ihre Kraft aus dem banalen Alltag schöpfen. Was die Menschen im Innersten bewegt, ist Ausgangs-Punkt energiegeladener Bewegungsstudien. Ihre Stücke nehmen uns mit auf Reisen durch unterschiedlichste Gefühls- und Traumwelten. Die Lebensräume der Menschen spielen eine tragende Rolle.
Die Produktion »Zweiland« führt in einen öffentlichen Raum: die Straße. Die Dynamik und das pulsierende Lebensgefühl der Straße spiegeln sich in den rhythmischen Bewegungssequenzen wider. Im Unterschied zu »Allee der Kosmonauten«, wo sich Sasha Waltz durch konkrete soziale Lebensverhältnisse inspirieren ließ und diese in einem verfremdeten Realismus auf die Bühne brachte, sucht sie in »Zweiland« eher eine poetische Annäherung an das Thema »Bilder aus Deutschland«. Gesellschaftliche Verhältnisse werden auf der zwischenmenschlichen Ebene dargestellt und dadurch direkter erfahrbar. Die symbolische Zahl »Zwei« wird in verschiedenen Formen sichtbar: Zusammenwachsen, Zweisamkeit und Entzweiung, Verzweiflung. Absurde Alltagssituationen wechseln sich ab mit Charakterstudien und märchenhaften Bildern. Deutsche Lieder aus verschiedenen Jahrhunderten werden von den Darstellern selbst interpretiert und lassen so Musik und Tanz zu einer Einheit verschmelzen.